Fido

Il y a bien longtemps, la Terre traversa un nuage stellaire de poussière radioactive qui sema le chaos sur notre planète en déclenchant un effroyable appétit de chair humaine. La terreur dura jusqu'à ce que la toute-puissante compagnie ZomCon mette au point un collier qui domestique littéralement les zombies.
Devenues jardiniers, livreurs de lait ou même véritables animaux de compagnie, ces créatures sont désormais partout, sous le parfait contrôle de leur collier, dans un monde réglé comme du papier à musique.




En tant que film d'horreur qui se respecte, le film de zombie a toujours eu pour but d'effrayer le spectateur. Mais, dans les oeuvres majeures principalement, il est possible de distinguer un second niveau de lecture inhérent au contexte socio-politique de la réalisation de tels films. De ce fait, les films de George Romero (le grand manitou du genre), comportent chacun une approche subversive et satirique de la société contemporaine et le réalisateur prend à chaque fois un malin plaisir à mettre au pied du mur les tares de son temps : la guerre du Vietnam et les valeurs puritaines (« La nuit des Morts Vivants »), les excès de la société de consommation (« Zombie »), du totalitarisme (« Land of the Dead »), voire l'explosion des nouveaux médias (« Diary of the Dead »).

Mais hormis Romero et quelques confrères, la plupart des films de zombies se définissent comme de vulgaires séries Z où le gore grand gignolesque des situations l'emporte sur l'intelligence du script et la crédibilité des acteurs. A toujours monter d'un cran dans la surenchère, le film de zombie a ainsi très vite été codifié (certaines scènes sont devenues des passages obligés dont on ne peut se défaire) et a perdu de son impact au fil du temps. Il faut dire que le zombie a beau se nourrir de cervelle et de chair fraiche, sa lenteur aberrante n'en a jamais fait un adversaire si redoutable et aujourd'hui, le genre fait plus rire que frémir.

Edgar Wright et ses comparses l'ont bien compris et le succès critique et public de « Shaun of the Dead », la première comédie romantique avec des zombies, prouve bien que le vent a tourné. Les recettes de « Shaun of the Dead » au box office ont évidemment engendré de nombreux films de zombies d'un ordre nouveau. Si certains continuent à se prendre au sérieux, la plupart lorgnent désormais vers la comédie satirique. Le zombie devient alors le médiateur de la critique sociale au cinéma.
Avec plus ou moins de talent, de nombreux participants se sont lancés dans l'aventure et même les moutons ont eu leur heure de gloire (« Black Sheep »)...

C'est dans ce contexte que « Fido » débarque sur les écrans. Et dans le film, on découvre une facette inédite de la célèbre créature non-morte : si hier, les zombies vous sautaient dessus pour vous dévorer, aujourd'hui ils peuvent promener le chien ou tondre la pelouse pendant que vous lisez le journal du matin. De danger mortel, ils sont devenus de simples domestiques dont on contrôle les pulsions primales à l'aide d'un simple collier électronique. Une idée fort appréciable qui renouvelle le genre.

A l'opposé des oeuvres de Romero, « Fido » n'est pas un film horrifique. S'il y a bien quelques effets gores (le film n'est en aucun cas destiné aux plus jeunes...), ils sont toujours relégués au second plan au détriment de la comédie. En revanche, en digne héritier des films du maître, « Fido » entreprend de rassembler les éléments d'une satire sociale et ceux d'un pur divertissement. Et pour le coup, il fait mouche sur les deux tableaux.

Alors que la majorité des films de zombies récents se déroulent dans un monde contemporain, les scénaristes ont eu la brillante idée de mettre en scène l'histoire de « Fido » dans les années 50 ; certainement l'époque la plus conservatrice des Etats Unis. Et c'est au coeur d'une banlieue chic caucasienne que se déroule le film. Le réalisateur insiste évidemment sur le comportement stéréotypés des habitants qui, dans des costumes tirés à quatre épingles pour les hommes et tabliers colorés pour les femmes, ne cherchent qu'à passer pour des saints aux yeux de leur voisins...et ce, quelqu'en soit le prix. On assiste donc à un florilège de scènes complètement absurdes comme celle où une femme au foyer décide d'employer un zombie à son service pour ne pas être la seule dans son quartier sans domestique...

Le ton du film prend d'étonnantes libertés pour une comédie de ce genre et c'est dans un pur esprit décalé que le film met en scène des collégiens pratiquant le tir à la carabine pendant les cours, sans oublier que les-dites armes ne sont pas censées êtres possédées par un enfant...avant ses 12 ans. Une critique féroce de la société américaine où la législation du port d'arme à feu n'est plus que jamais d'actualité.

De même, toutes les valeurs conformistes et la morale puritaine des années 50 en prennent pour leur grade : quand un père de famille est incapable de prendre une décision et accorde plus d'importance à son sport favori qu'à son propre fils, pourquoi ne pas le remplacer? En l'occurence, un zombie fera très bien l'affaire...
Ces quelques exemples ne constituent bien entendu que la partie émérgée de l'iceberg (pour ne pas gâchêr le plaisir de la découverte) mais ils permettent d'illustrer le ton délicieusement cynique abordé par le film.


En ce qui concerne le divertissement pur, « Fido » frappe un grand coup. Non seulement le script est remarquable mais la réalisation elle même est un renouvellement constant de belles surprises. Pour commencer, le film bénéficie d'une ambiance géniale qui nous replonge immédiatement dans les 50's. Les magnifiques décors de la banlieue chic sont mis en valeur par une photographie chatoyante et des cadrages exemplaires (la scène de la pleine lune...) et les différents morceaux de musique sont tous empreints d'une certaine nostalgie, volontairement caricaturale.
Cette volonté d'exagération se retrouve tout au long du film : du court métrage en noir et blanc en guise de présentation jusqu'au générique final qui défile sur un vieil encadré de théâtre, le film fourmille de petites trouvailles qui lui donnent une atmosphère unique.

Le casting est également une petite réussite en soi. Les acteurs, sans êtres particulièrement connus; campent des personnages formidablement bien écrits. Voir Carrie Anne Moss, en fée du logis, troquer la tenue en cuir moulante de Trinity pour un tablier de cuisine à fleurs surprend, d'autant que son interprétation est fort appréciable. Mais la vraie révélation du film c'est Fido justement, joué par Billy Connoly. Aucune ligne de dialogue et pourtant il est certainement le personnage le plus expressif du film. Le regard de l'acteur à lui seul traduit les pensées et les émotions de son personnage et sa gestuelle parfaitement maîtrisée est un exemple à suivre. On n'avait pas vu de zombie aussi « humain » depuis Bob dans « Le Jour des Morts Vivants » de Romero.



Une réalisation exemplaire, un casting impeccable, un scénario original et bien écrit, un ton aussi cynique que réjouissant, un humour noir et absurde, quinze idées par plan..., « Fido » risque bien de devenir la nouvelle référence de la « zombie comedy » aux côtés de "Shaun of the Dead" et "Zombieland". Que dire de plus?



Note : ***

L'Ombre du Vampire

Dans les années 1920, le réalisateur allemand Friedrich Murnau entreprend de tourner un film de vampires inspiré du « Dracula » de Bram Stoker. Il fait appel à Max Schreck pour tenir le rôle principal mais les méthodes de travail du comédien déroutent de plus en plus l'équipe du film...




Dans la culture populaire contemporaine, le vampire reste une figure récurrente et incontournable du film d'horreur, et ce depuis la publication du célèbre « Dracula » de Bram Stoker. Au cinéma, on ne compte plus les adaptations du roman, qui ont su, à travers les différentes approches du scénario et le développement des moyens techniques, faire perdurer le mythe et donner à Dracula ses titres de noblesse pour de multiples générations. Et malgré l'engouement pour les vampire next-gen qui brillent au soleil, aujourd'hui encore, Dracula demeure certainement le vampire le plus connu de l'histoire du 7ème art.

Pourtant, le premier vampire ayant vu le jour sur les écrans ne s'appelait pas Dracula mais Orlock. En effet, « Nosferatu », film allemand muet réalisé à la fin des années 20, fut le premier à mettre en scène la célèbre créature. En revanche c'est bien Dracula qui est à l'origine du film puisque « Nosferatu » n'est que l'adaptation non officielle du roman de Stoker : la veuve Stoker refusant de céder les droits du livre, l'équipe du film décida simplement de modifier le nom des personnages. Si cette histoire est bien connue des amateurs, elle ne l'est pas pour autant du grand public et méritait donc d'être signalée. Mais la supercherie tourna court et l'on ordonna que le film soit détruit. Fort heureusement, certaines copies échappèrent au massacre, ce qui permit à « Nosferatu » de faire la carrière remarquable qu'on lui connait. Jeux d'ombres et de lumières prononcés et angoissants, décors distordus et tortueux, ambiance inquiétante et personnages sinistres, le film est un chef d'oeuvre de l'Expressionisme allemand et, pour beaucoup, reste considéré comme le meilleur film de vampire jamais réalisé.

Néanmoins, en dehors de ces considérations purement techniques et artistiques, « Nosferatu » a également marqué les esprits par la présentation de son vampire, interprété alors par Max Schreck. Glabre, émacié, les yeux perçants, les ongles effilés comme des griffes et surtout le corps d'une rigidité surnaturelle, la composition de l'acteur aura fait parler d'elle. Et justement, le bruit court que Schreck était en fait un véritable vampire...

Cette histoire peu banale sert justement de point de départ à « L'Ombre du Vampire », qui raconte le tournage de « Nosferatu » par Murnau. « L'Ombre du Vampire » est un film indépendant et peu connu mais remarquablement réalisé. D'un côté, il décrit avec une précision quasi documentaire les conditions de tournage de l'époque, d'un autre il tend à romancer ce qui aurait pu se passer entre Schreck et l'équipe du film si celui ci avait réellement été un vampire. Le réalisateur E. Elias Penetrez réussit son coup sur les deux tableaux grace à une mise en scène superbe, une intrigue efficace et non dénuée d'humour et un casting fabuleux.

« L'Ombre du Vampire » est sorti en 2000 alors que « Nosferatu » date de 1922. Il est donc évident qu'un fossé technique gigantesque sépare les deux oeuvres. De fait, pour tenter de coller à l'esthétisme de l'époque, le cinéaste aurait pu opter pour un vieux sépia, voire un simple noir et blanc pour tenter de vieillir artificiellement l'image et faire ainsi correspondre visuellement son film et celui dont il raconte le tournage. Mais si les scènes de « Nosferatu » sont bien tournées en noir et blanc, le film ne bénéficie d'aucun effet particulier, ce qui lui donne une proximité inattendue et permet de se plonger plus facilement dans le contexte. De plus, le film n'alterne pas constamment couleur et noir blanc, ce qui aurait pu alourdir la mise en scène, mais au contraire, lorque une séquence est en train d'être tournée, le spectateur « entre » dans la caméra et la couleur disparaît progressivement. Il est alors très agréable de voir certaines scènes mythiques de « Nosferatu » prendre vie sous nos yeux alors que l'on se trouve tourjours sur le plateau de tournage. Une mise en abyme astucieuse et un procédé ingénieux qui évitent tout sentiment de lassitude.

Autre point fort, la sobriété de la mise en scène. Malgré le caractère fantastique de la situation, le film ne sombre jamais dans la démesure que l'on pourrait attendre d'un film d'horreur traditionnel. Si « L'Ombre du Vampire » est souvent violent, il ne cède jamais à la gratuité malsaine du gore. L'horreur est en effet plus psychologique et, sans trop en dévoiler, le réalisateur (Murnau) se révélera bien plus cruel et terrifiant, dans sa folie créatrice démesurée, que le monstre lui même.

Enfin donc, le casting du film est de grande qualité. Murnau est joué ici par John Malkovich qui se révèle très crédible et la hantise finale de son personnage en est d'autant plus dérangeante. A ses côtés, les seconds rôles sont tous très appréciables et l'on retiendra surtout la courte apparition de Cary Elwes. Aussi à l'aise pour la comédie (« Hot Shot! », « Sacré Robin des Bois ») que pour le drame (« Saw »), Elwes joue ici sur les deux registres avec un talent fou; un acteur qui mérite assurément une meilleure reconnaissance publique.

Mais c'est bien évidemment Max Schreck, incarné par un Willem Dafoe habité, qui retiendra l'attention du spectateur. Que ce soit le psychopathe violent de « Sailor et Lula » ou le méchant schyzophrène de « Spiderman », Dafoe est un habitué des rôles de méchants dérangés. Pourtant, il réalise ici une performance hors du commun et son personnage de Max Schreck mérite d'être aussi connue que celle de l'acteur pour « Nosferatu ». Malgré la difficulté physique du rôle (Dafoe y est défiguré, méconnaissable, se déplace de manière erratique et s'encombre d'un accent allemand à couper au couteau), Dafoe ne sombre jamais dans le ridicule et ne surjoue pas. Et bien que le personnage lui même soit un tueur monstrueux et sanguinaire, l'acteur parvient à lui donner un certain charme, et réussit même à ce que le spectateur le prenne en pitié et se rende compte à quel point Schreck souffre de sa condition. Une composition à la fois tragique et effrayante qui lui vaudra une nomination aux Oscars comme meilleur second rôle.



A la fois documentaire d'époque et film d'épouvante, « L'Ombre du Vampire » nous donne l'occasion de nous plonger dans les coulisses de l'un des films d'horreur les plus célèbres de tous les temps. Une mise en scène subtile et un casting superbe desservent cette histoire étrange et atypique de ce vampire qui se fait passer pour un acteur censé incarner un vampire. Un film macabre et dérangeant mais qui n'exclue pas quelques touches d'humour. Dans la peau de la créature, Willem Dafoe trouve probablement l'un des meilleurs rôles de sa carrière.

Note: ***

Inception

Dom Cobb est un voleur expérimenté – le meilleur qui soit dans l’art périlleux de l’extraction : sa spécialité consiste à s’approprier les secrets les plus précieux d’un individu, enfouis au plus profond de son subconscient, pendant qu’il rêve et que son esprit est particulièrement vulnérable. Très recherché pour ses talents dans l’univers trouble de l’espionnage industriel, Cobb est aussi devenu un fugitif traqué dans le monde entier qui a perdu tout ce qui lui est cher. Mais une ultime mission pourrait lui permettre de retrouver sa vie d’avant – à condition qu’il puisse accomplir l’impossible : l’inception. Au lieu de subtiliser un rêve, Cobb et son équipe doivent faire l’inverse : implanter une idée dans l’esprit d’un individu. S’ils y parviennent, il pourrait s’agir du crime parfait.




Encensé par la critique et le public et prévu pour être le carton de cet été, « Inception » est définitivement un film à voir. Mais mérite t-il tant de louanges?

« Inception » marque le grand retour de Christopher Nolan sur les écrans, après avoir conquis à la fois la presse, le public et la technique (2 oscars) l'an dernier avec « The Dark Knight ». Vu le succès colossal de ce dernier, il était évident que le prochain film du réalisateur ne passerait pas inaperçu. Et c'est peu dire que la campagne publicitaire entourant la sortie d' « Inception » a marqué les esprits.

L'esprit c'est précisément le coeur du film, et plus exactement le rêve. Et ces matérialisations de notre inconscient permettaient de rêver (justement) à un film tout bonnement révolutionnaire aux possibilités scénaristiques et visuelles infinies. De ce fait, alors que l'histoire originale et complexe a suscité de nombreuses interrogations, la bande annonce du film, elle, à base d'immeubles en mode origami, de combats en apesanteur et de chambres d'hôtel qui jouent les roues à hamster, aura été annonciatrice d'une attente fébrile.

Pourtant, « Inception » est loin d'être un pionnier en la matière et ce n'est certainement pas la première fois au cinéma que l'on pénètre dans le subconscient d'un autre ou que l'on ne parvienne plus à distinguer le rêve de la réalité. Les exemples ne manquent pas. D'ailleurs, Verhoeven (« Total Recall ») ou Gondry (« Eternal Sunshine of the Spotless Mind », « La Science des Rêves »), pour ne citer qu'eux, ont laissé une empreinte indélébile dans le domaine de l'iréel perturbé et perturbateur. De plus, les mondes virtuels prenant le pas sur la réalité ont également été sujet à beaucoup d'attention ces derniers temps et malgré la décennie qui les sépare, il sera impossible de ne pas penser à « Matrix » en regardant « Inception » tant les deux films abordent parfois une esthétique similaire (distortion du temps, agents éliminateurs...).

Ainsi si le scénario d' « Inception » paraît inédit au premiers abords, Nolan part malheureusement avec une bonne longueur de retard et parvient difficilement à se distinguer de ses prédécesseurs. Hormis un excellent jeu de miroirs entre rêve et réalité (quand les conditions physiques ou climatiques affectent directement l'univers onirique) et une mise en abyme aux niveaux multiples qui donnerait presque le vertige, « Inception » marche desespérément dans les pas de ses modèles. L'intrigue, remarquablement bien ficelée, mélange allègrement drame, action, suspense et romance sur fond de thriller politique. Hélas, malgré tous les efforts des scénaristes pour nous tenir en haleine, l'histoire se révèle au final trop classique et manque cruellement de rebondissements. Si les 2h20 du film se font à peine sentir, ce serait mentir de dire que l'on ne finit pas par trouver le temps long. Certaines scènes bancales tendent à le tirer vers le bas quand d'autres ne font que ressasser les inévitables « Croyez vous que votre monde soit réel ou êtes vous en train de dormir en ce moment même? » en tentant d'interpeller intelligemment le spectateur. L'idée est certes bonne mais elle n'en reste pas moins éculée. Même la fin ouverte, censée laisser le doute dans la tête du public, laisse de marbre tant le procédé a été souvent employé par le passé.

Pour en revenir à la bande annonce, personne n'aura oublié l'image de la rue parisienne qui se replie soudainement sur elle même. Une telle séquence ne pouvait qu'annoncer une claque visuelle sans précédent et vu le talent graphique quasi visionnaire de Nolan (« Memento »), on était en droit d'attendre d'en prendre plein les mirettes. Force est d'avouer que certains moments d' « Inception » laissent pantois. Le problème est que ces scènes (dont le pliage routier) demeurent purement démonstratives et ne s'intègrent pas à la suite du récit. C'est d'autant plus regrettable qu'elles se font rares. Pour un court affrontement en apesanteur bluffant de réalisme, on doit se contenter d'une longue séquence de poursuite dans la neige, banale et filmée sans inventivité ; ca commence comme « Matrix » et ça finit comme un mauvais James Bond...

La mise en scène de Nolan est ainsi rarement à la hauteur des espérances. L'action est souvent étrangement molassone et les péripéties s'enchaînent sans passionner pour autant. En lui même le film n'est pas mal réalisé mais comparées aux dernières aventures du célèbre justicier chauve-souris, celles de ces pilleurs de rêves ont de quoi décevoir. En revanche, Hans Zimmer, déjà à l'oeuvre sur « The Dark Knight », nous gratifie d'un thème principal superbe et la musique à elle seule suffit à captiver l'attention.

Néanmoins, l'action n'est pas le pilier central du film. « Inception » n'a en effet rien du blockbuster Hollywoodien traditionnnel (beaucoup de muscles et pas de cervelle) et le manque d'action est d'ailleurs flagrant. « Inception » est au contraire un film très bavard, ce qui n'est pas déplaisant pour autant, bien au contraire. Il nous permet ainsi de bien comprendre la complexité des évènements dans lesquels nous somme plongés et garder ainsi en mémoire les nombreux enchevêtrements d'un sacré scénario à tiroirs. Là où le bas blesse, c'est que les personnages (tous incarnés par d'excellents acteurs) n'ont pas une psychologie suffisament approfondie (le comble pour un récit qui nage dans la métaphysique) pour que l'on s'intéresse réellement à leur sort. Hormis Cobb (Di Caprio dans un de ses meilleurs rôles), le film laisse peu de place aux pensées et sentiments des autres protagonistes. C'est d'autant plus dommage que ces derniers sont bien trop lisses et que le film se révèle au final si simpliste dans son déroulement. Il manque à « Inception » la noirceur inhérente aux autres films de Nolan qui aurait pu donner au film la maturité nécessaire à ce genre d'intrigue. Paradoxalement, malgré le scénario atypique et le récit déstructuré du film, « Inception » est certainement l'oeuvre la plus conventionelle et accessible du réalisateur.



« Inception » ne rime pas avec déception pour ce qu'il est mais pour ce qu'il n'est pas, et surtout ce qu'il aurait pu être. Avec un tel sujet de départ et un cinéaste aussi talentueux aux commandes, « Inception » aurait pu être le « Matrix » du nouveau millénaire ; une oeuvre visionnaire qui aurait marqué toute une génération par ses qualités purement esthétiques et par un scénario révolutionnaire, le mariage parfait entre réflexion métaphysique, scènes d'action démentielles et technique visuelle inoubliable. Bref, un film instantanément culte dont on aurait parlé pendant une bonne décennie. Dans l'état, « Inception » est un film soigné et intelligemment construit, doté d'un casting international exemplaire et d'une intrigue originale mais qui aurait gagné à mettre en scène des personnages plus complexes, à mieux gérer les scènes d'action et à ne pas s'éterniser dans des discours sans surprises.

Note: **

The Great Outdoors

Quand une famille de joyeux casse-pieds débarque en vacances pour rendre visite à des parents, le résultat est tout sauf apaisant... Commence alors une lutte sans merci pour déterminer qui saura profiter du grand air.




Le délirant John Hugues (« La folle journée de Ferris Bueller », « Un ticket pour deux », « Breakfast Club ») a encore frappé. Si cette fois il n'est pas derrière la caméra, il nous a encore pondu un scénario d'apparence classique mais riche en surprises et rebondissements.

Contrairement à la plupart des comédies de ce genre, Hugues parvient à mettre en scène des personnages aussi crédibles qu'attachants et même s'il ne sort pas vraiment des sentiers battus, joue à merveille des personnalités antagonistes sans jamais forcer sur la caricature. Dans tous ses films, Hugues présente des êtres humains et non de simples stéréotypes. Chacun a une personnalité qui lui est propre et sait faire preuve de sentiments. En ce sens, « The Great Outdoors » se rapproche beaucoup de « Un ticket pour deux », où les deux personnages principaux se haïssaient au plus haut point avant d'apprendre à se connaître.

John Candy joue une fois de plus un personnage sensible et débonnaire, comme il sait si bien le faire (« Un ticket pour deux », « Rasta Rockett »...). Il incarne Chet, un plaisancier tranquille venu se détendre au soleil avec sa femme et ses enfants, à qui il prête sa bonne bouille, son air amène et son rire irrésistible et communicatif. Il doit faire face à Roman, interprété par Dan Aykroyd, un homme d'affaire friqué, qui débarque sans prévenir avec sa femme glaciale et ses deux jumelles.

Tout comme John Candy, Aykroyd reste l'un des plus grands acteurs comiques des années 80. Capable de jouer une large gamme de personnages (« S.O.S Fantômes », « Evolution », "Miss Daisy et son chauffeur"), il reprend ici son air vaniteux et hautain qui faisait son succès dans « Un fauteuil pour deux ». Dégoulinant d'amour propre, son personnage devient rapidement antipathique au possible, mais c'était sans compter sur le talent de l'acteur qui sait aussi le rendre attendrissant.

John Candy et Dan Aykroyd s'étaient déjà croisés dans l'hallucinant « Les Blues Brothers » sous la houlette de John Landis. Ils récidivent pour le plus grand plaisir du spectateur qui se régale de leurs mimiques grotesques et leurs répliques hilarantes. Un excellent choix de casting! Casting qui bénéficie également de la présence de Annette Bening, Stephanie Faracy et du loufoque Robert Prosky (« Gremlins 2 », « Last Action Hero » en seconds rôles étonnants et savoureux.

Si le travail des acteurs est impeccable, on peut reprocher en revanche une mise en scène parfois un peu trop basique et un scénario qui ne décolle jamais vraiment. En ce qui concerne la réalisation, Howard Deutch manque d'originalité quand il s'agit de donner du punch aux scènes mais cela ne se remarque qu'à de rares moments. En revanche, il sait employer à bon escient les chansons endiablées (The Coasters : Yakety Yak », « Wilson Pickett : The land of a thousand dances ») et les compositions animées de Thomas Newman.

De même, le scénario de John Hugues aligne les bons moments mais ne surprend que très rarement. Plus de la moitié du film se contente de montrer John Candy et Dan Aykroyd tenter de se mettre des bâtons dans les roues. Que ce soit la scène de l'histoire au coin du feu, du ski nautique ou encore de la chauve souris, le film regorge de scènes amusantes mais qui ne font pas avancer le schmilblik. Et quand enfin, l'inévitable dispute/réconciliation arrive, l'histoire prend une autre tournure avec la séquence de la mine qui ne semble exister que pour atteindre les 90 minutes règlementaires. Heureusement, le grand final (avec l'ours) reste un sacré moment de comédie et nous laisse malgré tout sur une bonne impression.


« The Great Outdoors » n'a rien d'exceptionnel. Surtout pour une histoire écrite par John Hugues. Pourtant, il fait bien mieux que la plupart des comédies américaines du même style. Non seulement, il met en scène des acteurs talentueux mais il nous offre en plus de sympathiques moments originaux et innatendus. Les hauts et les bas, dans la mise en scène comme dans le scénario, n' enlèvent rien à la bonne humeur ambiante et communicative du film. Par contre, mieux vaut éviter la VF...

Note : **

Dolls

Trois histoires d'amour inspirées d'un spectacle de poupées du théâtre Bunraku.


« Dolls » est ce qu'on appelle un film contemplatif. La caméra reste fixe, les personnages parlent peu et agissent encore moins. L'action est réduite à peau de chagrin et le scénario, parfois inpénétrable, demeure avare en explications. Pour autant, et c'est ce qui fait sa force, le film est loin d'être ennuyeux, bien au contraire.

C'est que « Dolls » est réalisé par Takeshi Kitano, cinéaste japonais émérite qui n'en est pas à son premier coup de maître. Mais parvenir à décrire un film de Kitano relève parfois de la gageure tant il est difficile de trouver les mots justes qui définissent son style. Reconnu à la fois pour l'ultraviolence qui émane de ses films et la poésie visuelle intrinsèque à chacune de ses oeuvres, le style de Kitano est unique en son genre. Présent à la fois derrière la caméra, au niveau du montage et lors de l'écriture du scénario, Kitano élabore soigneusement chaque aspect de « Dolls » avec une véritable âme artistique.

Peintre à ses heures perdues, Kitano rate rarement l'occasion de placer ses propres tableaux dans ses films, comme dans le remarquable « Hana-Bi » ou le plus récent « Achille et la Tortue ». Si ce n'est pas le cas dans « Dolls », le soin apporté à l'image mérite néanmoins le respect et certains plans du film rivalisent aisément avec de vraies toiles de maître. Surtout lorsque l'environnement urbain oppressif laisse place à des paysages enchanteurs et bucoliques de toute beauté. Ceux qui connaissent les peintures de Kitano savent à quel point son art se veut enfantin et surréaliste à la fois. Et l'on ne peut s'empêcher de ressentir le même sentiment à la vue de « Dolls », constamment magnifié par une utilisation prononcée des couleurs primaires qui donnent à la réalité du film un aspect onirique qui se rapproche souvent du conte pour enfants.

En revanche le film ne s'adresse certainement pas à un jeune public. Si le film retrace plusieurs histoires d'amour qui s'enchevêtrent, le scénario est empreint d'une tristesse et d'une noirceur incomparables. Chaque personnage, masculin ou féminin, traverse le film comme une ombre, éphémère, rongé par la culpabilité ou le remord et ne parvient à trouver de délivrance que dans la mort. En effet, si chaque histoire est inspirée du théâtre de marionettes, les protagonistes ne sont rien d'autre que de fragiles poupées (Dolls) de porcelaine qui risquent à tout moment de se briser, manipulées et reliées entre elles par le fil invisible du destin. Enfin, « Dolls » illustre bien l'expression « fou d'amour » au sens littéral du terme – et dans toute sa cruauté : entre la femme qui dévoue sa vie à attendre que son amant revienne mais qui ne le reconnaît pas lorque celui ci se présente à elle, celui qui sacrifie sa vue pour demeurer au côtés de sa bien aimée, ou bien les deux amants condamnés à errer sans fin, les personnages du film sombrent tous peu à peu dans une démence silencieuse qui finit par les couper du monde.

Comme toujours chez Kitano, la mise en scène se révèle à la fois brillante et surprenante d'efficacité. Si « Dolls » est bien une tragédie, le réalisateur instille de petites touches de cet humour à froid dont il a le secret. On ne rit pas car le film reste triste mais on ne pleure jamais non plus car Kitano ne cherche jamais à ce l'on plaigne les personnages. Au contraire, il demeure constamment, avec un génie et une habileté qui frisent parfois l'indécence, sur le fil du rasoir entre drame et comédie sans jamais se laisser aller à la facilité. Et si justement le couple principal du film est lié par une corde rouge vif bien voyante, véritable connexion visuelle entre certaines séquences, Kitano, lui, n'utilise jamais les grosses ficelles. Sa mise en scène est alerte et travaillée dans les moindres détails. Evitant le côté répétitif des films à sketches, les trois histoires ne se succèdent pas mais sont au contraire reliées entre elles avec une ingénieuse simplicité et le montage sec et abrupt ne cesse de retenir l'attention des spectateurs.

Plus intéressant encore, le film ne suit pas de chronologie établie mais associe alégrement flash backs, répétitions et ellipses narratives pour mieux nous captiver. De ce fait, la narration du film est en tout point remarquable et l'on ne peut que saluer le talent du réalisateur qui parvient à nous toucher, voire à nous frapper en plein coeur, avec une incroyable économie de moyens. L'action n'est jamais montrée telle quelle ; seules les conséquences sont visibles à l'écran. Que ce soit une fusillade dans un hôtel ou un accident de voiture, rien n'est dévoilé si ce n'est le corps des victimes. « Dolls » ne cesse de jouer sur les non-dits, les ellipses et le hors champ pour nous plonger dans un climat d'angoisse et d'anxiété permanents. Ainsi, l'imagination du spectateur se retrouve constamment sollicitée et le style froid et impersonnel du réalisateur ne fait qu'accentuer l'horreur banale des situations. Malgré les nombreuses scènes choc, la caméra demeure imperturbable aux pires atrocités et le film en devient réellement terrifiant.

Pour autant, « Dolls » n'est pas un film d'horreur proprement dit. Si le caractère perturbant et malsain du film ressort aisément, l'ambiance reste insaisissable et une constante mélancolie balaye chaque saynète d'un souffle doux-amer. Et il est certain que la musique étrangement nostalgique - presque « Porco Rossoesque » - du célèbre Joe Hisaishi n'est pas étrangère à ce ressenti. Et le spectateur de se laisse porter par cette fable noire et poignante, au rythme des souvenirs et des saisons.



« Dolls » est un film atypique dans lequel il est difficile d'entrer. Il est évident que son austérité narrative en reboutera plus d'un, tandis que ses qualités picturales seules charmeront les autres. Faussement intellectuel mais véritablement bouleversant, « Dolls » est une fable moralisatrice cruelle et noire, mise en scène par un cinéaste exceptionnel.


Note: ***